« The Wild Hunt », son deuxième album après “Sallow Grave”, vient une nouvelle fois prouver l’incroyable talent de ce suédois. Une véritable baignade en eau glacée des contrées du nord : un peu difficile lors de la première immersion, mais tellement revivifiant.  Cette manière folle de raconter des histoires d’une voix tantôt douce, tantôt criarde n’est pas sans faire penser à Joanna Newsom, elle aussi auteur d’un magnifique album sorti cette année (« Have One On me »). Beaucoup restent de glace devant ces phénomènes de folk légèrement étranges. Pour les autres TheTallest Man On The Earth possède la recette simple pour réchauffer les cœurs. Ah, ces gars du nord…

Mais ce qui nous intéresse ici c’est son premier et nouvel album : « A Sufi And A Killer » et dont la consommation est 100% légale bien que créant une légère dépendance.

Mélange hallucinatoire de hip-hop, soul et d’électro, la musique de Gonjasufi  est  distillée à travers sont goût du mystique dans des compositions faussement brouillonnes. Ces morceaux très courts et intenses forment un patchwork expérimental assez peu commun dont les influences diverses restent tout aussi étranges. En arrivant à garder une aura assez spirituelle,  « A Sufi and A Killer » est bidouillé et torturé dans tous les sens. Ces sortes de mantras cosmiques incitent à un voyage mental plutôt diversifié et inconnu dans lequel on se plonge rassurés par la voix de ce gourou hors du commun. Une réelle drogue douce auditive. Et celle-là, vous pouvez consommer.

Beach House – Zebra :

http://www.youtube.com/watch?v=VbGMTL-6AH0

The Morning Benders – Excuses :

http://www.youtube.com/watch?v=aeE82XyNkyM

LCD Soundsystem – Dance Yrself Clean :

http://www.youtube.com/watch?v=x2Nt7P8vCzQ

Flying Lotus feat. Thom Yorke – …And The World Laughs With You :

http://www.youtube.com/watch?v=rtG201aYz3w

Gil Scott-Heron – New York is Killing Me :

http://www.youtube.com/watch?v=WiuorrXsngM

Local Natives – Airplanes :

http://www.youtube.com/watch?v=QuljnrCfBNw

The Besnard Lakes – Like The Ocean, Like The Innocent

http://www.youtube.com/watch?v=Ify-buS9JUU

Pantha du Prince – Stick To My Side :

http://www.youtube.com/watch?v=hYp91WftFqQ

Massive Attack – Paradise Circus :

http://www.youtube.com/watch?v=VAXaZQbym94

Joanna Newsom – Baby Birch :

http://www.youtube.com/watch?v=JfeALEPjN80

Laura Marling – Devil’s Spoke :

http://www.youtube.com/watch?v=EZxqBXax6Aw

« Black Noise » n’est pas le genre d’album qu’on prend à la légère, pas celui dont on peut se permettre l’écoute n’importe quand, n’importe comment. « Black Noise » se révèle avant tout une expérience sensorielle unique en son genre. Une expérience mêlée de musique minimaliste et électronique mais surtout mélancolique et romantique -Pantha du Prince se décrivant lui-même comme un « romantique digital ». Cette expression étrange reflète à merveille sa musique recherchée, sophistiquée, mélodique. Les 70 minutes qui composent « Black Noise » s’avèrent d’une puissance sonore inouïe et incomparable. L’envoutement est total, un casque sur les oreilles et le voyage digital est magistral. Des sonorités étouffées, froides, magiques auxquelles se mêle sur l’excellent titre « Stick to My Side » la voix connue de Noah Lennox (alias Panda Bear) d’Animal Collective. Sur « The Splendour », notre ami Pantha du Prince se permet même la collaboration fortuite de Tyler Pope d’LCD Soundsystem.  Le tout est enrobé de ce qu’on pourrait appeler de la poésie électronique, « Black Noise » possède en tout cas la prose mélodique nécessaire pour ce genre de comparaison, sublime !

Des Flamands ? Des Hollandais ? Des Belges ? Pas vraiment. En réalité, le groupe Roken is Dodelijk -« fumer tue » pour les non néerlandophones- s’est formé en 2006 à Lilles. Et pour brouiller encore un peu plus les pistes, ces gars (et une demoiselle, tout de même) du Nord chantent dans un parfait anglais avec le style et la carrure d’une formation britannique. Encore peu connu hors de leurs contrées, les jeunes lillois ont su pourtant éveiller l’attention d’un public tout acquis à la cause du folk émerveillant de Noah & The Whale. Il faut dire que l’on se situe plus ou moins dans la même tradition musicale, folk, instrumental, orchestral et surtout imprégné d’un leadeur a la voix envoûtante. Roken is Dodelijk a déployé dans cette salle du Grand Mix des chansons toute rôdées pour  la scène, théâtrales et arrangées. Fonzie, leadeur de cette formation, prend des allures d’acteur de théâtre, d’un magicien même, dans son veston-cravate. Charismatique et drôle, le bonhomme sait tenir son public près de lui par sa voix magistrale et ses feintises bienveillantes. Il sait aussi mener son groupe vers les sommets, dans des instrumentalisations grimpantes mais aussi des mélodies plus féériques. Parfois, on sent une légère impression d’Arcade Fire qui pointe le bout de son nez, sans nul doute que le groupe montréalais fait partie des références musicales de ces jeunes lillois plein d’avenir. C’est tout ce qu’on leur souhaite.

Viens donc le tour, très attendu, de Noah & The Whale. La chevelure bouclée d’un jeunot, sosie de Mika (dans un tout autre style, admettons-le) s’avance un peu timide suivi du groupe. On le sait, la présence féminine a disparue de la formation depuis le deuxième album évoquant justement la rupture de Laura Marling avec le leadeur (oui, le bouclé), Charlie Fink. Louvoyant entre le premier (« Peaceful, The World Lays Me Down ») et le deuxième album (« The First Days Of Spring »), les morceaux ont été arrangés en conséquence, bien plus électriques, se contentant de guitares, basse, piano, batterie et d’un violon. Dans un premier temps la voix magique de Charlie Fink s’avère moins prenante que dans les studios, mais ce n’est en réalité qu’une question de temps. Le groupe décolle peu à peu avec un « Jocasta » méconnaissable, un « Give a Little Love » qui fait se retrousser quelques poils et surtout « 5 Years Time », morceau sans conteste le plus attendu. On remarque d’ailleurs que ce sont ces morceaux du premier album qui font le plus mouche, les arrangements semblent plus travaillés. L’expérience déjà sans doute. Car beaucoup de titres s’achèvent brusquement, un peu à la va-vite à l’image du concert. Noah & The Whale sera resté 40 minutes sur scène en tout et pour tout, nous laissant juste, le temps d’un rappel, un titre exclusif (qui devrait sûrement s’intituler 1999 si l’on en croit la répétition multiple de cette date dans les paroles). On en veut plus, on en redemande, mais si on nous écoutait on pourrait y rester la nuit. Tandis que Charlie et sa bande ne pointeront plus le bout de leur nez, si ce n’est pas leurs mélodies enivrantes  et leurs paroles pastorales dans nos petites têtes émerveillées.

Très certainement cette attente joua et jouera de mauvais tours au groupe virtuel puisque à première écoute, l’album « Plastic Beach » est décevant à plus d’un titre et ne ressemble en rien à ses deux premiers condisciples. Pas de véritable ligne de conduite pour ces 60 minutes de « fourre-tout », pas vraiment non plus de titres phares comme pouvait l’être « Clint Eastwood » ou « Feel Good Inc. ». C’est d’ailleurs le titre « Stylo » (en collaboration avec Bobby Womack et Mos Def) qui fait l’objet du premier single, premier titre dévoilé, un des plus mauvais morceaux sûrement de l’album dont seul le clip déjanté avec la présence de Bruce Willis arrive à lui extirper cette étiquette.

Néanmoins, on ne demande pas à Gorillaz de la redondance et cette nouveauté est synonyme de fraîcheur sur ce dernier opus. Après plusieurs écoutes, certains titres rendent cet album intéressant en plusieurs points, quelques collaborations s’avèrent magistrales et les compositions de Gorillaz toujours aussi sophistiquées. Pop, hip-hop, dubstep ou electro ? Gorillaz aime brouiller les pistes et surprendre. Un  Lou Reed auto-caricaturé (« Some Kind Of Nature »), un National Orchestra of Arabic Music symphoniquement rap (« White Flag »), un De La Soul survolté (« Superfast Jellyfish ») font de quelques titres des perles échouées sur une plage de plastique.

« Teen Dream » est un album pudique, dans lequel  on entre à pas de souris pour observer d’un coin de fenêtre toute la délicatesse et l’émotion de ce spleen hypnotique. Les mouvements y semblent ralentis, les voix tremblantes, les sons timides, tout l’univers chancèle tel un château de cartes prêt à s’effondrer. Pendant que nous, nous sommes bel et bien tombés sous le charme de ces rêves adolescents, à la mode seventies, rappelant  une jeunesse désavouée, fragile, des années que l’on veut chérir et qu’on chérira encore durant nos voyages dans notre maison sur la plage.

MySpace : http://www.myspace.com/beachhousemusic

Filed under: Musique ]]> http://chucky333.wordpress.com/2010/02/27/coup-de-coeur-beach-house-teen-dream/feed/ 1 Chucky333 Teen Dream http://chucky333.wordpress.com/2010/02/13/un-vent-de-hype-dans-lnord-the-xx-sans-these-new-puritans-au-grand-mix-de-tourcoing-11022010/ http://chucky333.wordpress.com/2010/02/13/un-vent-de-hype-dans-lnord-the-xx-sans-these-new-puritans-au-grand-mix-de-tourcoing-11022010/#comments Sat, 13 Feb 2010 11:47:54 +0000 chucky333 http://chucky333.wordpress.com/?p=256 ]]> Il est 19h45, les portes du Grand Mix de Tourcoing ne sont pas encore ouvertes mais une petite file longe déjà les murs et attend patiemment dans le froid. Ce soir c’est complet : on joue à guichets fermés. Toutes les places se sont vendues il y a déjà quelques temps. Il faut dire que, ce soir, l’affiche est attendue et entendue : The xx. Le groupe londonien révélé en 2009 s’illustra dans la plupart des charts alternatifs pour parvenir en quelques mois à se faire un nom dans la « hype » musicale et se faire connaître par un public plus large. Des petits pubs londoniens, les voilà jouant tous les soirs dans des salles à chaque fois complètes. Pour leur tournée européenne, la première partie sera assurée par « These New Puritans », groupe un brin plus expérimenté pourtant et surtout auteur d’un récent et génialissime album « Hidden ».

20h, les portes s’ouvrent et la première surprise amène la déception : le groupe « These New Puritans » ne pourra pas assurer la première partie, ne pouvant pas franchir l’ « euro-tunnel », perturbé par les mauvaises conditions météorologiques. Qui les remplacera ? Malheureusement personne, le temps fut trop court pour les organisateurs. The xx assurera seul la soirée, et il faudra donc être patient.

Les premières notes de l’intro de l’album arrivent et réconfortent tout de suite. La scène s’illumine, cachée derrière un, grand drap blanc. Nous sommes face à des ombres mouvantes et mystifiées par des jeux de lumières tournoyants. Le groupe ne se compose plus que de 3 membres, après le départ de l’un des leurs pour maladie. L’ombre de Jamie Smith s’excite sur sa boîte à rythme tandis que Romy Madley Croft et Oliver Sim gardent leur calme respectivement à la guitare et à la basse. « Crystalised » fera tomber le rideau et enflammera le public définitivement réconcilié avec sa soirée. The xx envoûte le Grand Mix de Tourcoing, survole la salle d’une pop lancinante, térébrante, presque flippante. Il est vrai que les jeunes musiciens, derrière leur flegme britannique, ont l’air de sortir tout droit d’une arrière salle de café londonien d’un quartier mal famé, finissant leur nuit, camé et torturés par leur tourments juvéniles.

Le concert se poursuit au rythme de l’album, sur la même lignée avec l’énergie nécessaire pour réveiller de temps à autre le public. Seule la cover «Dou You Mind ? » de Kyla  viendra changer ce que l’on connaît de The xx même si ce morceau au final leur colle tellement à la peau qu’il semble être une de leur composition. Leur musique se révèle au grand jour sur scène : les voix des deux chanteurs subliment complètement la salle, les passages a capella nous laissent complètement aphones, les percussions font trembler les murs et nous remuent de l’intérieur. Ce sont des histoires que ces jeunes anglais viennent nous conter, des amours déchirés, des préoccupations sans réponses mais surtout deux voix majestueuses pour les chanter.  Seulement, au final, leurs morceaux se révèlent sur scène très ressemblants les uns des autres, la guitare semblant garder du début à la fin du concert le même rythme et quelques notes similaires.

« Basic Spaces »  se démarque tout de même, grandiose, prolongé de solos étourdissants et amenant déjà à la fin du concert sur « The Stars » en apothéose lorsqu’Oliver lâche sa basse pour littéralement se défouler sur une cymbale au son strident de la guitare et une accélération voltigeuse de la boîte à rythme. La salle jubile et savoure mais se retrouve aussitôt dans le noir. Voilà la fin après à peine une heure de concert, le rappel ne nous laissant qu’une chanson, reprise de « The Stars ». Le groupe ne se montrera plus malgré les acclamations d’un public sur sa fin. Et pour cause, sans première partie le concert s’achève alors que la température commençait à peine à monter. Partagés entre la déception et l’envoûtement de quelques airs qui sifflent encore dans nos oreilles, nous ne pouvons que rentrer chez nous avec encore trop d’appétit à la bouche et une petite question en tête : qu’aurait fait « These New Puritans » ?

Cet incroyable artiste dépressif laisse derrière lui une quinzaine d’albums noirs de spleen et de douleurs. Son suicide ressemble presque à une conclusion fatale et inévitable d’un état d’esprit abyssal qui a produit encore cette année deux albums flippants par leur violence émotionelle. Il arrivera sans nul doute à faire pleurer les anges…

10.  The Reader (Le Liseur)

La magie de « The Reader », on la retrouve avant tout dans le jeu Kate Winslet, grandiose dans un rôle parfaitement ficelé. Le film, quant à lui est rondement mené, À  travers le temps, l’illusion est parfaite. Tous les ingrédients sont réunis pour signer un brillant chef-d’œuvre.

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9. Bronson

Un autre film d’ultra-violence certes, mais le jeu exceptionnel de Tom Hardy arrive à s’extirper de cette étiquette pour produire un film absolument hypnotique. Un véritable coup de poing qui allie miraculeusement magie et violence, humour noir et hémoglobine.

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8. Departures

Departures, dans une grâce absolue, aborde un sujet pourtant très dur : la mort y est traitée sans tabous, sans pudeur. Il est certain que cela n’en fait pas un film des plus joyeux mais néanmoins, ce drame japonais se démarque par sa sensualité, sa pureté idyllique, le tout bercé d’un violoncelle majestueux. L’esthétique parfaite permet d’aborder le thème de la mort d’une manière délicate et touchante et de faire de Departures un petit bijou du 7ème art.

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7. Les Barons

Le cinéma belge ou le choc des cultures : « Les Barons » nous fait entrer en plein cœur de Molenbeek, temple de la population maghrébine de Bruxelles. Aux antipodes des films de banlieue, cette comédie sait jouer sur les clichés tout en gardant une tendresse et une originalité propre. Arabe ou belge, là n’est plus la question, « Les Barons » sait surtout faire rire, toucher et rassembler, peu importe l’origine du spectateur.

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6. Gran Torino

Le récit touchant d’un personnage parfaitement construit par Monsieur Eastwood sans vouloir en faire trop. En finesse, Clint mène une dernière bataille dont il ressort en maitre.

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5. Up  (Là-Haut)

Voici, de quoi vous raviver l’esprit, de quoi vous rabibocher par un temps maussade. Là -Haut est un cocktail au soleil, une bouillotte après la neige. Grâce à ses effets spéciaux haut en couleurs et surtout magnifiquement vivant mais aussi par son humour ravageur pour petit et grands, ce énième film d’animation Pixar vous enchante d’1h40 de bonheur, de rire et d’émotion contre le conformiste et contre ce temps qui tue nos rêves et nos espoirs.

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4. OSS117 : Rio ne répond plus

« OSS 117 : Rio ne répond plus » doit surtout son succès au personnage magnifiquement construit par Jean Dujardin, jonglant entre le satire et le ridicule, n’ayant pas peur des phrases chocs et de l’humour souvent « borderline ». C’est donc par ses dialogues et ses situations burlesques qu’OSS117 vient se classer parmi les films cultes de la comédie française. Irrésistiblement drôle !

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3. Coraline

Un instant hors de notre monde, un pur moment de magie, Coraline éblouit par son univers gothico-féérique. Visuellement magnifique, ce film d’animation vous fait voyager dans le fantastique, le vrai, celui qui prend des détours sombres et étranges pour mieux vous exploser en feu d’artifice de couleurs. Un vrai chef-d’œuvre.

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2. Inglourious Basterds

Le « mauvais garçon d’Hollywood » est de retour au mieux de sa forme. En déjouant toutes les recettes du cinéma d’action et en se permettant même de réinventer l’histoire, Tarantino signe un des films les plus jubilatoires de ces derniers temps. Louvoyant sans peine entre film d’action et comédie, on prend son pied intégralement. Brad Pitt est magique, paradé d’un accent du fin fond du Kentucky hilarant qui permet de marquer des scènes déjà cultes. On en redemande !

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1. Un Prophète

Avec « Un Prophète », Jacques Audiard amène le cinéma français au sommet de son art. Dans une maîtrise totale, il développe une véritable tension perpétuelle dans un environnement sinistre particulièrement bien construit. Chaque plan est pensé, réfléchi comme les couleurs d’une toile. Et le tout prend forme, la sauce monte en apothéose jusqu’au final époustouflant.

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Mentions honorables :

Looking For Eric : Ken Loach livre avec « Looking For Eric » un film étonnamment drôle et touchant où Eric Cantona parvient à jouer de l’autodérision tout en gardant son charisme. Malgré ses quelques passages plus lents qui manquent un peu de pugnacité, le film sait se relever avec humour, surprise et ce côté très modeste que l’on connait bien du réalisateur.

Milk : Gus Van Sant brille dans un nouveau registre sortant des films assez lourds qu’on lui connait (Elephant, Last Days) tout en gardant sa qualité première qu’est l’esthétisme. Milk est touchant, poignant, le récit pour la tolérance mis en lumière par un magnifique Sean Penn.

Fish Tank : Sous ses apparences de film cliché du réalisme social anglais, Fish Tank cache un charme singulier qui se dévoile surtout par la révélation de la jeune et talentueuse Katie Jarvis. Plongé en huit-clos dans une banlieue classique où la routine rime avec la rue, Fish Tank marque par sa touchante réalité malgré les inhérentes banalités qui lui persistent.

The Hurt Locker (Démineurs) : Curieux cocktail de thriller, film de guerre et documentaire, « Démineurs » parvient en tout cas à tenir le spectateur en haleine, la tension y est magistralement gérée grâce à des effets visuels époustouflants pour ne pas dire explosifs. Une petite bombe à  retardement qui fait monter la température malgré les traditionnels clichés mélangeant patriotisme américain et testostérone.

The Boat That Rocked (Good Morning England) : The Boat That Rocked est une petite fontaine de jouvence qui met la pêche grâce à sa classe « so british », son humour cocasse et surtout sa bande son décoiffante. Que du lourd, du classique (The Kinks, The Rolling Stones, The Beatles, Jimi Hendricks, Cat Stevens, … et la liste est longue) à vous faire frétiller la moustache. Mais paradoxalement, même si le film est long (2h15), il ne dépassera pas le stade du divertissement en n’allant pas plus loin dans le découpage de ses nombreux personnages et ne se contentant que d’un vaste scénario peu exploité dans sa surabondance de « petites anecdotes ». Néanmoins, on en ressort avec le sourire et de la musique à se passer en boucle pour faire décoller ses talons du sol. ROCK’N ROLL !

Public Ennemies : Public Ennemies mythifie le gangster dans un film misant avant tout sur l’élégance, que ce soit de l’ambiance, des plans de Michael Mann, ou d’une bande son « blues » parfaitement ancrée dans le film. Johnny Depp et Christian Bâle collent parfaitement à ce charme et offrent un superbe chassé-croisé qui prend, malgré tout, peine à faire la jonction jusqu’à l’explosion finale.

Låt den Rätte Komma In (Morse) : Esthétisme et originalité sont les maîtres mots de ce polar vampirique suédois. Plongé dans le froid glacial des contrées nordique, « Morse » (nom du film en français) marque par son aspect hors du commun, niant tous les fondements du film fantastique. Malgré ses lentes pérégrinations, le film parvient à séduire par une …poésie contemporaine, cruelle et moralisante.

Le groupe Megafaun a bien plus que son nom d’original : sa musique est tout autant fantaisiste. Imaginez donc, 3 hommes bien portants et bien poilus tout droit venus de la Caroline du Nord. Imaginez-les ensuite montant un groupe de folk dans la pure tradition américaine.  Le cliché est parfait.

Mais bien au-delà, on remarque que dans l’album de ces trois zigotos (Gather, Form & Fly), l’ambiance est bien plus originale. Passant de la country la plus fondamentaliste à l’expérimental atmosphérique sans peine, le trio surprend par cette ligne de fond étonannte qui traverse tout l’album et qui nous traverse de fond en comble. On succombe. Megafaun parvient à nous faire voyager dans des univers imprévisibles, faisant tomber la pluie après une danse que nous pouvons presque percevoir, appelant les ancêtres d’une forêt hantée, faisant crisser des cordes magiques. L’atmosphère de Gather Form & Fly touche à l’essentiel : l’aventure et l’évasion.

(Chronique reprise d’une précédente : http://chucky333.wordpress.com/2009/11/18/megafaun-gather-form-fly-tombe-la-pluie-tombe/ )

4. Animal Collective – Merriweather Post Pavilion (Domino)

Le dernier album de Animal Collective, sorti en début d’année, fut déjà annoncé des mois à l’avance et créa cette sorte d’attente parfois à la limite du ridicule et qui se finit le plus souvent par de terribles déceptions. Ce ne fut pas le cas. « Merriweather Post Pavilion » est un peu l’aboutissement du groupe, l’étendard de tout ce qui a été accompli, comme un grand panier dans lequel il a été inséré tout ce que le groupe avait pu trouver sur sa route.

Cette route n’a rien de commun, n’a rien de terrestre ou d’humain. Le son d’Animal Collective semble parfois extraterrestre ou amphibie. Un voyage au milieu de bulles aquatiques et électriques vers une cité d’animaux étranges aux voix tant gémissantes qu’entraînantes : les sirènes d’Ulysse. Le titre « My Girls », extrait de cet opus, résume à lui seul tout ceci par sa puissance auditive faite de synth-pop, de chœurs d’échos et de percussions assourdissantes.  Là où Animal Collective semble, pour certaines personnes, inaudible et dissonant, « Merriweather Post Pavilion » retentit pour les autres comme un chef-d’œuvre de la musique de cette fin de décennie.

3. The Antlers – Hospice (Frenchkiss)

Alors que jusqu’ici on a énormément parlé de voyages, d’évasion, de danses de la pluie, d’animaux féériques, … voici l’antithèse. Disons le tout de suite, « Hospice » est un album à faire chialer. The Antlers a ce don de briller dans les ténèbres de l’accablement et du désespoir. Peter Silberman, chanteur et fondateur du groupe, va jusqu’à poser ses lèvres à même le micro lorsqu’il murmure pour que, de fait, chacune des syllabes se fasse entendre comme dans le creux de l’oreille. Mais qu’on ne s’y trompe pas, « Hospice » n’a rien de tendre et doux. Car si l’on entre dans l’album sur une mélodie au piano et une voix mielleuse, les percussions et la guitare ont vite fait d’exploser tout ça à coups de sons saturés et chaotiques et de la voix de Peter Silberman qui éclos, papillon magique d’une chenille noire. Ce à quoi se joignent de temps à autres banjo et trompette dans un requiem ahurissant.

« Hospice » est un long tunnel au bout duquel la lumière est aveuglante, à l’instar de certains titres bien moins mélancolique mais tout aussi jouissifs qui amènent à un « Epilogue » plein d’espoir et de splendeur.

2. Fever  Ray – Fever Ray (Rabid)

Les mots manquent à l’appel face à cette étrange réalisation. Que se passe t-il donc dans la tête de la Suédoise Karin Dreijer Andersson (The Knife) pour nous assourdir d’aussi ténébreuses compositions ?

Et pourtant, l’envoûtement est total, la drogue vous prend par les oreilles et vous entraîne dans d’incroyables hallucinations auditives. « Fever Ray » évoque d’anciens comptes africains, des sonorités noires, des effluves d’une Asie ancienne et disparue. C’est un mélange troublant, une alchimie de cendres qui a l’odeur du givre, des nuits terrifiantes. Dieu, qu’il fait froid, quand est-ce que la pluie s’arrêtera ? Les frissons perdurent, les ténèbres vous enveloppent et vous restez scotchés face à cette musique inqualifiable tant elle trouble par son caractère tribal, son animosité, ses cérémonies mortuaires, ses évocations cauchemardesques.

Fever Ray a certes de quoi rendre perplexe, mais a surtout de quoi marquer les esprits par une œuvre éblouissante.

(Chronique reprise en grosse partie d’une précédente : http://chucky333.wordpress.com/2009/11/28/fever-ray-un-glacier-cauchemardesque/ )

1. The xx – Self-titled (Young Turks)

On pourrait penser que la première place de ce type de classement est la plus facile à attribuer. Celle qui revient à l’album le plus écouté durant l’année, celui qui n’a jamais été supprimé du lecteur mp3, celui qui se réécoute encore tous les jours sans jamais lasser. Mais en fait, non, c’est bien plus complexe que ça. The xx a failli ne pas se retrouver à cette place à cause surtout de la « hype facile » dont il fait preuve. Cependant, au final, aucuns autres albums ne semblaient pouvoir lui ravir cette première place.

Au-delà des controverses donc quant à cet album, The xx a su développer un son qui leur est propre d’une incroyable lenteur,  d’un tempo torturé, d’une musicalité des plus minimalistes et pourtant des plus hypnotiques. Ce groupe londonien formé de quatre de jeunots d’une vingtaine d’années a pondu avec le premier album un petit ovni. On appelle ça de la « pop atmosphérique » mais entre nous, on peut l’avouer, ça ne veut rien dire. The xx est indéfinissable et commence déjà à conquérir l’Europe par sa bande son étrange et surprenante. Ce qui est sûr, c’est que j’ai également craqué. Et je dis ça fièrement, mes places de concerts sous les yeux faisant fi de ce que l’on peut en dire.

(Chronique inspirée d’une précédente  : http://chucky333.wordpress.com/2009/11/15/the-xx-lhypnotique-jeunesse-londonienne/ )

Epilogue

Après ces quelques semaines de déboires musicales, quel intérêt au fond à un TOP 20 ? Parce qu’au final si je devais le refaire aujourd’hui ce classement, il n’aurait déjà plus tout à fait la même forme. Cela dépend des humeurs, du contingent (hum…). Mais puisque tout n’est qu’éphémère, ce classement le sera. Qui sait s’il s’étendra dans le (votre) temps par je l’espère, des découvertes fortuites, des écoutes marquantes. À l’année prochaine ?

Mentions honorables :

Oui, parce que, tout de même… (dans un ordre aléatoire)

- The Dead Weather : Horehound

- Bat For Lashes : Two Suns

- The Very Best : Warm Heart Of Africa

- Dead Man’s Bones : Dead Man’s Bones

- Yacht : See Mystery Lights

- Sunset Rubdown : Dragonslayer

- Real Estate : Real Estate

- Wild Beasts – Two Dancers

- Andrew Bird : Noble Beast

- St. Vincent : Actor

- Rodrigo Y Gabriela : 11-11

- Why : Eskimo Snow

- Tom Waits – Glitter And Doom (Live)

- The Flaming Lips : Embryonic

- Oxmo Puccino – L’arme de paix

- … (J’en oublie sûrement).

10. Le Loup – Family (Talitres)

Il faut le savoir : je déteste comparer un groupe à un autre. Mais tout de même, Le Loup a la dégaine d’un renard de chez Fleet Foxes.  « Family » est un album aérien, sur la canopée d’une forêt grouillante de canidés. Guitare, banjo, mandoline, ukulélé et percussions minimalistes s’entremêlent dans des harmonies somptueuses dominées par des voix aux allures grégoriennes. Le tout est bouillonnant d’esthétisme avec un goût d’Afrique et un zeste d’Asie. Les influences tribales de ces incantations font réveiller le charme d’un « Loup », vif, agile et intouchable.

9. Grizzly Bear – Veckatimest (Warp)

Si Veckatimest devait être la bande son d’un film, ce serait sans nul doute un film d’animation fantastique et magique où une forêt serait hantée de drôles de créatures. À l’instar peut-être du clip réalisé pour le titre « Ready, Able », à la fois étrange et sublime. Voilà sûrement la meilleure définition de la musique de Grizzly Bear. Si à priori rien de vraiment novateur surgit de ce 4^ème opus, les ours font rugir de plus belle des compositions envoûtantes d’instrumentalisations pas toujours si ordinaires que ça. Veckatimest est une montagne russe qui sait trouver l’équilibre entre force et douceur. Et quand les chœurs et tambours montent, la chute est vertigineuse. Les voix de chorale du quatuor bercent comme elles rugissent. Les ours savent brouiller les pistes et faire peser le mystère. À nous de ne pas nous perdre sur les sentiers étranges de ce sublime album.

8. Mumford & Sons – Sigh No More (Island Records)

Mumford & Sons avait déjà su créer la sensation grâce à deux EP sortis l’année passée. Prometteurs tant ils étaient trop courts. Les titres avaient la carrure de ceux du groupe et amis Noah And The Whale, gracieux, enjoué et véritablement symphoniques. De plus Marcus Mumford, chanteur principal du groupe a cette voix comparable à celle de Charlie Fink, marquante dans ses premières syllabes, touchantes dans ses moindres murmures. Dans la même veine carrément folk, « Sigh No More » sait dompter les banjos, les guitares, les dobros, les claviers pour les associer à des riffs parfois très rocks. Sans nul doute qu’après seulement 2 ans d’expérience Mumford & Sons a encore beaucoup à prouver, mais on les attend avec impatience !

Un peu plus ici : http://chucky333.wordpress.com/2009/11/07/le-temps-d’une-chanson-nous-nous-aimions/

7. Dirty Projectors – Bitte Orca (Domino)

Certes, je suis parfois, moi aussi, victime de la boboïsation pitchforkienne, ce cette foutue manie de faire de certains albums de hype tendance un objet de convoitise. Vous ne comprenez rien à ce que je dis ? Ce n’est pas grave, tant mieux.

Ce qu’il faut savoir c’est que « Bitte Orca » et le groupe Dirty Projectors dans l’ensemble sont l’objet de discordes, les avis divergent. Rien que la voix de Dave Longstreth semblerait filer la nausée à pas mal de gens. Du coup, ces derniers s’esclaffent devant un tel emballement pour ce dernier album. Et pourquoi moi, ai-je donc cédé à la hype ?

D’abord, Dirty Projectors ne s’expliquent pas, ils s’écoutent. Leur musique semble être le confluent d’influences les plus diverses, de la pop des années 80 en passant par le folk, rock et même l’opéra. « Bitte Orca » mélange dans un grand shaker toutes ces petites voix, ces mélodies psychédéliques pour en ressortir des kaléidoscopes multicolores et explosifs. Ensuite, par son éclectisme, « Bitte Orca » peut vous faire passer par tous les sentiments possibles et peut par convergence s’écouter dans toutes les situations imaginables. Cet opus représente le multi-usage dans son principe robotique et se découvre encore de nouvelles fonctions aussi bien qu’on lui découvre de nouveaux charmes à chaque écoute. Polémiquez-donc…

6. Volcano Choir – Unmap (Jagjaguwar)

Qu’arrive t-il à notre barbu préféré (quoique la concurrence est rude) ? Justin Vernon, alias Bon Iver, troque ici sa chemise de bûcheron et son folk ténébreux pour devenir cet artisan musical « touche-à-tout » expérimentaliste. Et pour, une nouvelle fois, nous prouver son génie. Sa voix se multiplie interminablement pour résonner contre une machinerie bien huilée. Ça sonne, ça grésille, pendant que deux notes suffisent à installer une ambiance des plus particulières. Laquelle ? Indescriptible. Peut-être même que ce nouveau projet Volcano Choir  laissera perplexe la plupart des assidus de Bon Iver. Car « Unmap » est aux antipodes du folk épuré du chef d’œuvre « For Emma, Forever Ago ». « Unmap » est plutôt complexe, torturé, enchevêtré de mélodies conceptuelles. La voix d’ange apocalyptique de Justin Vernon se colle néanmoins tout aussi magnifiquement à ce projet audacieux et réussi. Avis aux amateurs de nouvelles sensations musicales.

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La suite et fin dans quelques jours.

15. Danger Mouse & Sparklehorse – Dark Night Of The Soul (/)

Qu’était donc ce nouveau projet “Dark Night Of The Soul” ? Précédée d’une mystérieuse campagne publicitaire, la sortie de cet album avait fait s’interroger le monde de la musique. Il faut dire que l’image d’annonce était signée David Lynch et la musique se trouvait être le fruit de la collaboration de Danger Mouse & Sparklehorse. L’histoire a fait d’autant plus grand bruit que le contrat n’ayant pas été signé avec EMI, toute la petite troupe s’est chargée de la production. Au final, « Dark Night Of The Soul » était en vente, contenant un livre illustré par David Lynch, un poster et un CD-R pour graver l’album qui se téléchargeait sur la Toile… gratuitement. Et ce n’est pas tout : chaque titre du projet était signé d’une prestigieuse collaboration (Vic Chesnutt, Julian Casablancas, Iggy Pop, Wayne Coyne, …). Le résultat est bluffant, bien évidemment éclectique et pourtant bien homogène. Émotionnel à souhait, camé comme une rock star, naviguant entre de multiples inspirations, de multiples voix,  « Dark Night Of The Soul » ressemble a une soirée prestigieuse où l’on rencontrerait les plus grands musiciens et qui se finirait pas une jam session des plus légendaires.

14. Girls – Album (True Panther)

Il y a quelque chose de très paradoxal dans la musique de Girls : Christopher Owens leader, incontestablement drogué, du groupe mène à grand train des morceaux bouillonnants qui ont pourtant l’odeur des caniveaux. Il faut dire que l’histoire ce type a de quoi inspirer le scénario d’un film : échappé d’une secte, voyant sa mère se prostituer pour survivre au départ du père. Ce serait presque même un peu trop.

Mais l’album de Girls a ce goût de débauche et de narcotisme et résulte surement de soirées de grandes turpitudes. Christopher Owens a dans sa voix les démons de son passé tout en les extériorisant de la façon la plus gracieuse qui soit. « Album » est ce mélange un peu spécial où se croise jeunesse dépravée et rock très classe, cocktail explosif. BOUM, on est conquis.

13. The Big Pink – A Brief History Of Love (4AD)

Dès les premières notes lointaines, on se doute que quelque chose de pas très habituel se passe avec “A Brief History Of Love”. Oui, bon il y a ce bon vieux effet « shoegaze » qui n’a rien de neuf, mais les morceaux son ici travaillés d’une manière sombre et pourtant légère. Les voix du duo londonien formé par Robbie Furze et Milo Cordell se mêlent à une électro-pop sous acide. Ce sont des sons tonitrués, des guitares qui crient, des effets qui s’enflamment et par-dessous tout, deux bonhommes qui survolent un peu tout ça de leur voix planantes. L’album louvoyant aisément entre des morceaux  psychédéliques  et d’autres de pop émotionnel, parfois à grand coup de vitamines dans les veines et coup de pompe dans le derrière. Le tout se secoue avec mélancolie et énergie, The Big Pink créant une ambiance ténébreuse et audacieuse (par son montage très « lo-fi ») dans un album éclectique.

12. Atlas Sound – Logos (XL)

Appuyer sur “play” pour l’album “Logos”, c’est s’engager à entrer dans un monde virtuel épileptique. Un monde légèrement distordu, complètement hallucinant : ce sont des petites bulles aquatiques et électriques sur lesquelles on se pose pour faire un voyage hors du commun C’est une expérience très sensorielle que l’écoute de cet album d’Atlas Sound, projet solo de Bradford Cox, leader du groupe Deerhunter. Cela en devient presque indescriptible lorsque « Logos » s’amuser à électriser une pop répétitives de mantras aériens. Un petit ovni vient en visite sur nos planètes oreilles, déclarant paix et réconciliation de nos expériences auditives.

11. Monsters O Folk – Monsters Of Folk (Rough Trade)

Le nom du groupe de ce nouveau projet musical est de circonstance puisqu’il réunit 4 génies du folk américain qui ont décidé d’accorder leur talent pour un opus tout aussi représentatif de celui-ci.  Conor Oberst, M. Ward, Mike Mogis (Bright Eyes) et Jim James (My Morning Jacket) ont donc décidé de se réunir entre amis pour un bœuf des plus réjouissant. Dans la pure tradition américaine, touchant au folk, à la country, au blues, les 4 fantastiques n’ont rien inventé mais ont sans nul doute créé un album jouissif, sans fausse note et qui a le mérite de voir se créer une collaboration fortuite. Le talent est incontestable et nous fait bourlinguer durant une petite heure sur les routes outre-atlantiques, sauvages et légendaires, le même chemin que l’histoire américaine et ses traditions musicales.

Un peu plus ici : http://chucky333.wordpress.com/2009/11/07/le-temps-d%E2%80%99une-chanson-nous-nous-aimions/

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La suite dans quelques jours.

Mais pourquoi donc, me suis-je assigné cette lourde tâche que de dévoiler mes coups de cœur musicaux de 2009 ? Ce qui semblait être facile s’est en fait révélé une tâche délicate et longue. J’ai donc décortiquer tout ce qui a fait de cette année des moments de magie, d’évasion, la bande-son qui a accompagné mes vacances, mes nuits blanches, mes soirées de labeur, mes escapades printanières. De plus, l’année fut pas mal pourvue de généreuses surprises, d’albums magnifiques.

Alors oui, je le concède, l’année n’est pas finie mais le temps manque parfois et j’évite ainsi toute influence de classement de ce type de confrères blogueurs ou des grands magazines anglo-saxons. Et puis, oui, ce choix ne représente que mes coups de cœur issus de mes propres goûts mais le but est plutôt de pouvoir vous faire découvrir les mêmes sensations, et de partager ce qui est le plus précieux pour moi.

Il est donc évident que d’autre bijoux ont été laissé sur le carreau et je le regrette mais que voulez-vous ? J’ai par ailleurs essayé à tout prix de faire preuve d’éclectisme. Néanmoins, on remarque que la musique électronique, indépendante ou encore psychédélique ont pris un peu le pas sur ce que j’avais refusé de faire l’année passée (se plier à cette tendance de tripoter tous les sons à coups de synthé et ordinateurs).  Rock, folk, pop, un peu de jazz aussi ont soutiré toutes les places à des styles qui n’ont pas trouvé d’albums marquants pour ma part cette année. (Mais je demande qu’à recevoir vos suggestions !). Vous seront-donc dévoilés, 5 par 5, mes meilleurs album sortis en 2009 à travers ce classement. Trève de bla-bla, le voici, le voilà :

20. Bill Callahan – Sometimes I Wish We Were An Eagle (Drag City)

La dernière place d’un classement est souvent la plus dure à désigner  et la liste des albums qui auraient pu s’y trouver est longue. À titre de mention, ce numéro 20 aurait bien pu être attribué à The Dead Weather, Rodrigo Y Gabriela, WHY ?, The Flaming Lips, Bat For Lashes,… Je l’ai dis la liste est longue. Finalement pourquoi celui-ci ? Ce sont des choses qui ne s’expliquent pas. Ce qui est sûr c’est que Bill Callahan, connu aussi sous le nom de (Smog), possède une manière de conter les histoires qui font la particularité de son « song-writing ». Sa voix légère et sombre se pose comme un aigle sur le canyon d’une instrumentalisation très folk. Certains morceaux s’autorisant même quelques escapades du côté du Grand Orient, la rencontre des deux styles est magique, au goût de l’évasion, des grandes routes américaines qui traverserait des océans. Il est certain que le bonhomme a déjà une longue carrière derrière lui, lui qui enregistrait à l’origine ses morceaux sur cassette. Mais ne dit-on pas que c’est dans les anciennes marmites qu’on fait les meilleures soupes ? Ce dicton ce vérifie pour « Sometimes I Wish We Were An Eagle », album qui a su éviter tous les courants de « boboïsation », d’électrisation pour garder la délicatesse de la grande tradition « storytelling » américaine.

19. Phoenix – Wolfgang Amadeus Phoenix (Loyauté)

J’avoue, je tenais à mettre dans ce classement un groupe ou un chanteur francophone, belge ou français. Mais face au déluge de bons albums en 2009, il faut préciser que nous ne faisions pas beaucoup le poids. Pourtant, on a tendance à l’oublier mais Phoenix, groupe exporté chez nos amis anglo-saxons est bel et bien français. Ses trois jeunes membres ont réussis avec leur touche glam-rock à s’immiscer dans les charts des plus grands magazines musicaux (Pitchfork classant l’album dans la meilleure musique de 2009, côté à 8.5 sur 10). La « french-touch » a donc un avenir hors de ses frontières. Ceci dit, Phoenix réunit tout le talent nécessaire pour cela, leur pop est à la fois chic et sophistiquée et fait de « Wolfgang Amadeus Phoenix » un brillant album qui fait le bonheur des oreilles même outre-Atlantique.

18. Alela Diane – To Be Still (Rough Trade)

On ne présente plus Alela Diane, princesse du folk américain, une indienne à la voix d’or. « To Be Still » ne pourrait être que la continuité de son premier album (« The Pirate’s Gospel ») que ce serait encore un plaisir de l’entendre et le réécouter.

Chronique faite ici : http://chucky333.wordpress.com/2009/02/21/alela-diane-lappel-des-loups/

« Un monde ancestral et pourtant qui paraît si peu connu, une nouvelle terre vierge, nous sommes revenu au temps des Grandes Découvertes ou alors de La Ruée vers l’Or, parce que de l’or nous en avons trouvé. Dans les rivières ondulantes et mystérieuses de la musique d’Alela Diane. »

17. Lisa Ekdahl – Give Me That Slow Knowing Smile (Sony)

Je me suis fait un devoir d’éclectisme pour ce TOP 20 ce dont beaucoup de « charts » manquent cruellement. Alors quoi de mieux qu’un peu de jazz-blues ? Ceci dit, n’allez pas croire que Lisa Ekdahl se retrouve ici par hasard, la chanteuse suédoise a du charme et sait l’utiliser. Avec une délicatesse profonde, sa voix vient se lover contre de doux arrangement jazzy. « Give Me That Slow Knowing Smile » se trouve être la bande-son idéale d’une promenade dans les verdures nordiques, la tête plongé dans un ciel bleu, les nuages prenant des formes « choupinous » à la manière de la douce et jolie Lisa Ekdhal.

16. Noah & The Whale – The First Days Of Spring (Vertigo Records)

Il était difficile pour moi de ne pas mettre Noah & The Whale dans ce classement. Car depuis l’année passée, Charlie Fink et sa troupe ont littéralement pris possession de toutes mes sorties audio. Et pourtant « The First Days Of Spring » a mis un poil plus de temps à convaincre que le premier opus (« Peaceful, The World Lays Me Down ») et laisse encore perplexe certains critiques. Néanmoins, le charme du groupe folk a toujours de quoi séduire, il a juste changé la formule. La magie est toujours là, plus que présente, et peut nous faire rêver encore quelques temps.

Critique faite ici : http://chucky333.wordpress.com/2009/11/07/le-temps-d%e2%80%99une-chanson-nous-nous-aimions/

Dans quelques jours, les albums de 15 à 11.

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Et pourtant, l’envoûtement est total, la drogue vous prend par les oreilles et vous entraîne dans d’incroyables hallucinations auditives. Fever Ray évoque d’anciens comptes africains, des sonorités noires, des effluves d’une Asie ancienne et disparue. C’est un mélange troublant, une alchimie de cendres qui a l’odeur du givre, des nuits terrifiantes. Dieu, qu’il fait froid, quand est-ce que la pluie s’arrêtera ? Les frissons perdurent, les ténèbres vous enveloppent et vous restez scotchés face à cette musique inqualifiable tant elle trouble par son caractère tribal, son animosité, ses cérémonies mortuaires, ses évocations cauchemardesques.

Il est vrai, qu’à la première écoute, non-attentive, Fever Ray a de quoi laisser perplexe mais laissez vous conquérir par 50 minutes d’hypnose et découvrez un des meilleurs albums de cette année 2009.

Un clip tout aussi étrange et envoûtant.